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音乐艺术理论鉴赏应用论文(共两篇)

作者【佚名】   来源【道义论文网】   发布时间【2018-12-12 19:09:13】   点击量【

  音乐艺术理论鉴赏应用论文一


  论文题目:谈艺术理论对音乐表演的指导作用


  摘 要: 在学习和从事音乐表演的过程中,始终离不开理论的支持,这些理论知识并非空洞枯燥苍白的空谈,其在现实中与演奏行为存在紧密的联系,同时涵盖多个方面,从不同角度在不同领域等起指导作用。需经不断深化思考、探索如何将其优势充分发挥,并结合实际加以运用,才能够取得良好的效果。研究如何将艺术理论与舞台实践相结合,是一个长远的课题,有助于发展思维模式,提高修养,开阔眼界,最终取得舞台经验与文化积淀的双重收获。


  关键词: 艺术理论 音乐表演 指导作用


  一、善用理论可更好地为实践服务


  “理论指导实践”这一哲学观点对于艺术活动同样适用。在表演范畴内,不论是高尚与高雅,还是低俗与庸俗,一切行为都离不开理论的支持。一位艺术工作者所具备的素养,会反映折射到其表演中,不仅是熟练程度和技法水平,还有文化修养和理论水平。表演者是对作品进行“二度创作”的能工巧匠,以自己的理解和感悟将音乐形象化、情感化、人格化。


  理论来源于实践,它是人们长期以来对音乐文献、作品进行系统研究整理出的成果,是音乐规律和逻辑的抽象概括和总结,也是我们深入理解音乐、欣赏音乐、表现音乐的桥梁和依据。同时,理论可以更好地为实践服务,有助于表演者准确把握作品的创作背景、风格流派,贴近触摸作曲家的心灵与情感。俄罗斯钢琴学派代表人物伊古姆诺夫曾说:“我们常遇到这种情况:弹得都对,但听起来乏味,缺乏丰富的幻想,没能使乐谱变活。”周围确有大量已具有相当技术水准的学生,他们能演出清晰美妙的声音,攻下较高难度的片断,但“乐感”稍显欠缺,离专业要求尚有距离。一些长期代课的教师已经能够一句句地把曲子教得天衣无缝,但不会启发学生进行更深层次的思考,如为什么要这样演奏、演奏后的体会总结、乐曲的共性与个性等。如何触类旁通地帮助演奏者运用专业技巧塑造出鲜明生动的音乐形象,展示作品的艺术魅力,再现作品的艺术价值?这些都是值得认真思索的话题。


  二、演奏技术理论对音乐表演的影响


  技术理论给人的感觉相对而言较枯燥晦涩,但即便对于非音乐学研究者,只要从事演奏,首先就要具备对乐器基本结构、原理的了解,熟谙自己的“兵器”才可使用自如。技术理论的深奥在于不同的门类学科是迥异的,如声乐強调的气息、位置、咬字、音色,钢琴中最重要的手型、指法、大小臂、腕子等的运用,跳音、转指、八度等特有技巧,类似弹拨器乐、弓弦器乐、打击器乐等都有不同的演奏法。相通的是,都应侧重对作品中所涉及的旋律发展、和声进行与表现手法之间的关系,包括其内部逻辑性和规律性的东西有所认识。对于技术条件成熟的演奏者来说,更应力求推敲斟酌风格内容与技巧相融合,从多种途径寻找表现形式,最大限度地准确发挥扎实的功底,从而演绎得恰如其分,形成独有风格。如果在学习与演奏中忽略它们,就会减弱作品的结构力与感染力,使音乐丧失内在发展的层次,空余苍白“炫技”的堆砌,听起来有“神散”之感。


  三、音乐心理学对音乐表演的影响


  毋庸置疑,每一位艺术表演者都渴望在短暂的“台上几分钟”展现出最佳水准,不辜负台下苦练十年功。因此,音乐心理学,尤其演奏心理学对于表演者来说更是一门必修课,它会直接作用于舞台表现,反映在上台前、演出中、演出后。很多时候,正视演奏中常见心理障碍,突破技术瓶颈,并不是靠主观期望就能克服的,需要理性有意识地支配、调节感官。了解心理学乃至生理学的知识,从有根据的理论经验中获得一些积极暗示和启发,帮助我们及时调整、认识自我,以最佳的精神面貌和身体状态,尽可能地做到不被外因干扰,正常发挥,甚至超常发挥。“艺高胆更大,胆大艺更高”其实是理论的通俗外化,具有一定的科学依据。紧张与焦虑在心理学中的潜层意义即是“恐惧”,自信不足,但它又与兴奋有着紧密关联。这种情绪是人体内脏器官处于某种兴奋状态时所分泌的一种特殊物质,分为对外界事物的客观性焦虑、对本我的神经性焦虑、对超我的道德性焦虑不同类型。认知并区分它们,才可能“对症下药”调适演奏心理状态,学会使用一些心理学小技巧,达到适度紧张与从容不迫的良好平衡,全神贯注地投入作品中,享受表演过程,自豪自信地将“声”与“情”传递给聆听观众,正是我们追求的境界。每个人对音乐的理解感受都受审美取向、个性特征、文化底蕴等因素影响,演奏出的音色、动律、风格,和自身固有的性格、偶然的情绪都有关联。这就是为什么不同的钢琴家演奏同样的乐曲,感觉和味道却大不相同。比如同是演奏李斯特经典钢琴曲《钟》,我们听郎朗和李云迪便是完全不一样的版本,其他世界顶尖大师又是另外的模样,速度力度虽各有处理,却没有对错,甚至难论高下。


  四、美学理论对音乐表演的影响


  艺术工作者若能在提高专业技能的同时,深入浅出地了解基本美学理论,包括美的存在、本质、规律、认识、感受、创造等,就会受到切实的促进与指导。以笔者从事钢琴演奏为例,在技巧运用、风格把握、乐曲创作、教育教学、欣赏评论等方面,音乐美学都对演奏产生潜移默化的影响。正如了解肖邦所处时代背景的风格流派和形成原因,并结合具体乐曲提炼出感知和领悟,才能深刻理解其作品为何被称为“藏在花丛中的大炮”,体会肖邦诗意感性背后的尖锐与激进。再如贝多芬《月光》奏鸣曲第二乐章为何被李斯特评论为“两个深渊中的一朵小花”,它在贝多芬式抗争性格下的乐观与优雅,犹如含着眼泪的笑窝。只有演奏者为此感动,震撼心灵,才能在钢琴前将此情此景再现得淋漓尽致,赋予其无限广阔的生命力。在演奏中要不断实践、分析、反思,并针对不同地域的历史特点采用不同的审美观点,以丰富表演内核。如西方艺术追求“深刻”、东方艺术追求“深邃”,西方艺术重“写实”、东方艺术重“写意”,西方审美哲学是“知识性”、东方审美哲学是“生命性”,等等。以中国传统审美思想为例,不论是“大音希声”“至乐无乐”,还是“尽善尽美”、“哀而不伤”,抑或“质而不野、文而不史”、“雅淡”、“清和”、“简静”、“自然”、“气韵生动”,都对我们演奏民族乐器,或演唱、伴奏民族声乐作品,尤其是以诗词谱写的艺术歌曲,起到醍醐灌顶式的启示。只有体会具体作品蕴含的具体审美原理,并在这种基调的引领下再进行技术的训练、技巧的提高,才不会偏失本意,方可演绎得贴切、逼真、打动人心。


  五、音乐教育理论对音乐表演的影响


  音乐教育理论是音乐学体系中的重要组成部分,每位表演者都是从“受教育”开始走上音乐之路的,因此将教学行为科学规范化,对于表演的继承与发展非常关键。学习艺术具有悟性、灵性只是先决条件,如果不经过持之以恒的系统训练,那么再天才的乐者也不会成为顶级的音乐家。站在教育者的角度,充实理论知识更显得尤为重要。不要小看少儿教学法、中小学音乐教育里的“模式”和“经验”,须知其中大量理论在音乐启蒙阶段是必不可少的参考,如果教师未能根据学生的年龄心理特点实施教学方法,那么即便示范得再认真投入,演奏水准再高超精彩,也未必能使对象吸收接受,造就不出成功的演奏者。一些音乐教学法如“柯达伊”、“奥尔夫”、“铃木”等均为世界各国经典,其凝聚的精华思想都已经过长期的实践检验,培养出众多优秀音乐人才,才得以推广流传,在今天看来仍然有巨大的价值。当然,基于中外艺术观念特征、学派风格的差异,以及具体教学主体、院校课程开设等方面不同的现实问题,我们更需要结合实际情况,根据所授对象研习音乐的个性特点,选择有针对性的方法指导演奏。值得一提的是,在中国面向观众的音乐表演,更加要重视“中国元素”,包括对本国作品的重视,以及将艺术的表现形式本土化。因此,中国的音乐教育要更强调对民族精神的传承,珍惜研究自己独有的东西。


  在科学的音乐教育理论中,主张对音乐的喜爱与兴趣为先,提倡对不同学生因材施教的思想,都提醒着我们摒弃传统“死学”的机械式训练,吸取当今国际先进的理念,把音乐教学作为手段与过程,最终达到完善每个人发展的目的。正如著名钢琴演奏家、教育家刘诗昆所言:“学琴,是美育而不是天才教育……有些孩子弹琴会找到舒服或发泄的感受,这正是音乐给予他们最初级、最可贵的记忆,不要苛求人人都是天才,教会一个孩子一辈子享受音乐,这是最重要的。”如此朴素而真實的理念,会对学生和自己的演奏都产生正能量。观众在欣赏中也能分辨出,这样的音乐表达中充满着大气和温暖,而不再仅仅是冰冷的、带有目的式的、夹杂各种欲望的展示。


  六、其他相关学科理论对音乐表演的影响


  一位真正的音乐表演家不仅是工匠,更是大师,大脑与心灵都是丰沛充盈的,具备极高的理论修养,这种修养的核心便在于思维方式的智慧。一句话道破:“学历是铜牌,能力是银牌,人脉是金牌,思维是王牌。”他们之所以成功,不止于艰苦训练后的技巧高超,更因善于用音乐表达出自己的思想深度,艺术化地展现人格魅力。这种从宏观上对艺术的全面理解与掌握,正是艺术家与普通乐者的区别。优秀的演奏不但可以为观众再现作曲家本人的创作意图,还可以在了解和理解的基础上进行艺术处理、加工、升华。


  从事任一表演门类时只有从不同的侧面对与之相关信息进行多方位关注,把艺术与其他社会现象联系起来,才能使表演本身立体化。从纵向上看,要肯定艺术发展的历史是一个长期的过程,不论优劣高低,都体现着当时的社会思潮。评价音乐作品要结合特定背景,一些生涩难懂的东西就变得不难理解;从横向上看,音乐与美术、戏剧、舞蹈、宗教、地域、伦理、民俗等始终紧密相连,不可分割。比如演瓦格纳的歌剧《尼伯龙根的指环》和《特里斯坦和伊索尔德》,就要懂点叔本华的意志哲学,虽未必达到理论学者那样的深入研究,但至少应对其基本思想作相应的了解;想更高层次地演奏好贝多芬的作品,就免不了涉猎康德的哲学和美学思想;演奏或演唱久石让、喜多郎、班得瑞、雅尼、恩雅等NewAge风作品,就需走近现代主义思潮,体会音乐中追求的宁静、唯美、自然、环保、反战等内涵;对中国作品的表现,要了解这一门类艺术、这一体裁、题材的发展演变历程,充分遵循民族美学传统,以求尽量地道,原汁原味。


  七、结语


  理论知识的扩充完善对于实践产生的影响,已经渗透到各分支专业表演技术长期发展的骨血中。理论带来的科学态度和不断自省,促使人们从对单纯旋律悦耳的浅层感知上升到理性高度,更加关注其思想性与艺术性。从技术层面来说,它对实际演奏的帮助显得尤为关键,只有在理论体系的支持下逐渐体悟音乐,感受艺术,才能够手、脑、心、耳并用,达到真善美的统一。特别在高校工作中,教学、演奏、科研是三位一体、相辅相成的,重视理论学习与研究,既可在表演等实践活动中起到指引航向的作用,自身水平又能不断获得进一步提高。一个音乐演奏者的成长与成熟,需要以“板凳一坐十年冷”的恒心和毅力排除浮华的纷扰,专注于学问本身,沉下心来研读哲学、美学、历史、文学、心理等相关领域书籍,并时刻注意对当代新理论、新方法等知识的自主学习,关注时事发展,尽可能广泛地接受多渠道灌输,随处积累,终身充电。


  参考文献:


  [1]陈雪。论音乐美学对音乐表演实践的现实意义[J].长春师范学院学报(人文社会科学版),2009(5):159-161.


  [2]王杨。弗洛伊德焦虑理论研究[D].石家庄:河北师范大学,2016-05-23:9.


  [3]赵娟。中国社会音乐教育钢琴课程之文化阐释与建构[D].长沙:湖南师范大学,2013-09-01:165.



  音乐艺术理论鉴赏应用论文二


  论文题目:民间音乐理论教学与艺术实践的改革与创新


  摘要:由于所处的时代不同,民间音乐发展所需的条件就存在很大的差异。在新的时代里我们需要对传统的民间音乐进行重新定义,为它们注入新的力量以解决所面临的发展瓶颈与消失危机。作为一名高等院校的教育工作者,笔者有责任更有义务为本地区民间音乐的发展贡献出自己的一份力量。本文针对本土民间音乐在发展中遇到的问题进行探讨,探讨如何拯救或者继续传承本地区民间音乐的策略,最终实现本地区传统民间音乐的进一步发展。


  关键词:民间 音乐 教学与艺术实践 改革 创新


  近年来,很多学者一直探索如何将传统或者原生态的民间音乐更好的融入到当今文化中去。来自四川的吉克隽逸,作为一位彝族歌手,他通过《中国好声音》这个平台,在歌曲《阿姐撸》演唱过程中完美的将现代化元素与与原生态元素两者进行融合,营造出一种美轮美奂的场景,让人感觉仿佛置身于原汁原味的自然中之中。虽然《阿姐撸》歌词的内容反映的是原生态的自然环境,但是在现代电声乐器的衬托以及吉克隽逸嗓音的灵活变化下,创造出了一种全新的音乐理念。《阿姐撸》不但保留了音乐的原生态的特点,而且也符合现代人对音乐的审美需求。从而向世界证明:“民族的就是世界的”这种说法并非表面上的空谈。


  作为一项珍贵的音乐文化遗产,近几年来本土音乐文化不断引起国家或地区相关部门的注意,就如何继续传承和发扬音乐文化方面采取了很多措施。笔者从自身所在的角度进行分析,认为本土音乐文化的传承应该与本地区的教育密切联系起来,通过将教育与音乐结合起来形成特有的教学特色,才能更利于本区的音乐文化建设,让本地区的教育与音乐两者相互促进、协调发展。


  本土音乐文化的发展离不开传统文化的支持,因此地区的高等学校的教育就起到了十分重要的作用。通过高等学校教育的这个平台将地区特色的文化传统与高校的教育理念两者进行结合,构建一套具有地区特色文化气息的学科体系,这样培养出的人才,在参与地方实践或者文化艺术工过时能够起到意想不到的作用,所服务对象既可以是当地的教育、文化、经济,也可以是当地的文化遗产和珍贵资源,从根本上弘扬了本地区的音乐文化。


  高等院校学习音乐专业的学生,在毕业后面临的选择主要有两个:首先是成为管理、传播群众文化事业的负责人,主要是弘扬和传承我国非物质文化遗产为主要责任。其次是成为传播本地区音乐文化的工作者,以传播本地区音乐文化为主要工作,继续培养新一代的音乐人才。因此,对于学习音乐专业的学生,我们要把培养的重点放在他们自觉保护、传播非物质文化遗产的意识上面,让他们认识到音乐艺术文化所具有的价值、内涵和魅力,这些内容的掌握既是他们学习专业知识的必备,也是培养他们素养的关键所在。但是,从目前我国的音乐文化教育的现状进行分析,大多数从音乐专业毕业的学生缺乏这些方面的能力,特别是最近几十年来一直在延用西方的教学模式和教育体系,致使我国的民间音乐的发展受到很大的影响,学生受西方教学模式的影响审美的观念主要针对西方的古典音乐、摇滚音乐,却忽视了本土的民间音乐。虽然很多具有综合性质的大学开设了关于《民族民间音乐概论》的专业课程,但是这些课的开设学生往往难以学到具有实质性的东西,通常学到的知识是一些概括性的内容,在培养学生的意识方面仍然显得不足。例如我院作为东莞地区的高等院校,但是很多学生却不知道东莞存在“木鱼歌”这种如此珍贵的民间歌曲,即使有一部分人知道,但是对于此类的音乐也不感兴趣。因此,对于存在的这些现象我们应该深思,是由于时代的变迁还是生存环境或生活方式的改变。传统音乐逐渐从我们的眼前消失,民间音乐的生存不断受到现代音乐的威胁,致使传统文化音乐的发展受到很大的限制。


  针对存在的这些现象,笔者从高校的教学模式和教育理念进行分析,提出我国应该以现代化的教育模式作为传统音乐文化教育的主要理念,为今后进行教学实践提供坚实的理论知识。


  以课程建设为突破口,积极促进培养目标、培养方案、教学计划、学科发展师资队伍等的优化提高,尽快形成地方民间音乐实践教学的机制和措施。


  通过构建相应的交流平台,建立研究本地区音乐文化工作室。针对本地区音乐文化具有的特性,在本地区的各大高校开设相关的课程,进而实现本地区音乐文化的传承和发展。相关的调查表明,从2003年起我省的韩山师范学院致力于“潮州音乐”的发展,通过几年的发展潮州音乐逐渐被众人所知,而且韩山师范学院培养了大量潮州音乐这方面的人才。将教学、表演以及理论、研究进行结合形成潮州音乐独具的特色,并且在音乐教学方面取得了很好的效果。先后开设的音乐课程主要有:《潮州音乐合奏》《潮州大锣鼓》以及《潮州音乐鉴赏》等。通过这些课程的开设我们可以看出,进行传播、弘扬以及保护民间音乐文化,地区性的高等院校是我们选择的最佳基地。作为东莞市高校之一,具有得天独厚的条件,可充分挖掘当地民间音乐文化资源,通过聘请当地的“老艺人”进行课堂实践教学,师生在课程中共同进行学习,达成共享教学、音乐、产业方面的资源,实现双方共赢。


  参考文献:


  [1]郭德纲。论少数民族音乐文化传承与内蒙古高校音乐教育[J].中国音乐,2010,(01)。


  [2]冯光钰。民族音乐文化传承与学校音乐教育[J].中国音乐,2003,(01)。




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